“藝術的朋友”是中國當代藝術展覽中鮮有的大型藏家羣展。展覽於7月8日至1月28日在上海油罐藝術中心向公眾開放，其透過多種藏家羣體的豐富視角，融合全球的當代藝術收藏構建；全面且深度探討當下的時代焦點，反映新世代藏家對於“藝術”本身更豐富而多元的理解與行動。

以下是“鳳凰藝術”為您帶來的採訪報道。

一進展廳，許多觀眾就會被一組熠熠閃光的燈所吸引。這件來自菲利普·帕雷諾的作品被放置在罐體後門的門頭位置上，恰似對於觀眾觀展路線的指引。

這件作品像是百老匯劇場的華麗裝潢。它吸引觀眾進入，體驗一個截然不同的迷幻空間。這是一份滿懷着誠意的真誠邀請。

▲“藝術的朋友”展覽現場，油罐藝術中心，2023，攝影：JJYPHOTO。圖中作品：菲利普·帕雷諾，《華蓋》，乳白色丙烯酸玻璃，霓虹燈，燈泡，調光器，dmx播放器，120 x 182.8 x 101.4 cm，2011

2018年，喬志兵在“喬空間”做過名為“藝術贊助人”的羣展，“藝術贊助人”所邀請的36位藏家當時被冠以“重要的中國當代收藏家”，喬志兵的願景是藉此展覽“展現中國當代藝術收藏家羣體的現狀與全球當代藝術的面貌”。

當前呈現的展覽“藝術的朋友”是這一系列的延續。和前述展覽的不同之處在於，“藝術的朋友”面向的都是入行不久的“新世代藏家”。

▲“藝術的朋友”展覽現場 攝影：董潔旭

“新世代”之“新”並非指的是年齡，而是他們進入收藏領域的時間。儘管這批藏家的確以年輕人居多，但其中也有年齡偏大的藏家。

策展人喬丹告訴我們：“因為這次展覽是有集合56位中國的藏家參與進來，然後現在的藏家的狀態很多也很年輕，然後甚至是跟藝術家一起同時長大，所以我覺得可能用“朋友”這個詞就是會很親切。大家都是藝術的朋友，這是我們為什麼會去起這樣的名字的原因。”

▲“藝術的朋友”展覽現場 攝影：董潔旭

本次展覽所展出的作品既有楊福東、張恩利、丁乙、孫一鈿等赫赫有名的中國藝術家，也有沃爾夫岡·提爾曼斯（Wolfgang Tillmans）、西蒙·斯塔林（Simon Starling）菲利浦·帕雷諾（Philippe Parreno）等國際知名藝術家。

“藝術的朋友”分為兩期展陳，7月8日到11月8日是為第一期，首先有30位藏家藏品亮相，11月8日至次年1月28日，另外26名藏家藏品於展覽第二期與公眾見面。

▲“藝術的朋友”展覽現場 攝影：董潔旭

這一批在全球化、信息化的浪潮中成長起來的藏家，恰逢經歷了世界疫情三年的動盪變化。他們如何看待當代藝術，如何遴選、如何判斷一件作品，這在很大程度反映下一個世代藝術市場的眼光和邏輯。

當這批新興藏家躍入主流，成為藝術收藏界的中堅力量，他們的審美趨向將很大程度上畫廊、藝博會的風格趨向，從而也將對未來藝術家的創作產生影響。

▲“藝術的朋友”展覽現場 攝影：董潔旭

喬丹透露：“50多個（新）藏家也可以大概分為三類，第一類是其實爸爸媽媽自己就是藏家，但可能（長輩）收藏更偏向古代，年輕的人更喜歡當代，他其實是有收藏的薰陶的。然後還有一類他自己從事的行業就跟文化和藝術有關，所以它自然而然會受到當代藝術的影響，然後再來有一類可能自己學習的是藝術，所以就是喜歡，有這個可能是在上藝術院校，所以他會收藏當代藝術，大概是這幾類。”

▲“藝術的朋友”展覽現場 攝影：董潔旭

經過了疫情的三年，中國乃至全球的當代藝術市場生態都有所變化。世界正在面臨局部戰爭和通貨膨脹造成的經濟壓力，這對於整體的市場環境也造成了衝擊，藝術品市場必然受到波及。

油畫與中國當代藝術板塊在2022年成交總額仍下降了54%，成交率降至歷史新低39%。在海外地區，總成交額進一步收縮，僅為2.9億美元（19.7億人民幣），同比上年大幅下降了35%，平均成交價也下跌了34%。

▲“藝術的朋友”展覽現場 攝影：董潔旭

當被問到這一現象對於藝術藏家的影響時，喬丹表示，與參展的新藏家的交流中，她並沒有感受到太多市場的負面情緒。

對於未來的樂觀，以及某種與經濟形勢不同步的熱情，是新藏家迥異於老藏家的顯著特點。儘管他們不乏對於市場形勢的敏鋭判斷，但年輕本身就是一種稀缺的資本。這種對於新領域的熱切目光，以及他們對於自己生涯的長線預期，讓他們更不患得患失，拘泥於當下的行情起落。

▲莫娜·哈透姆，《銅色的球》，頭髮，直徑 9 cm。圖片由藝術家及巴黎桑塔畫廊提供，藏家：項偞婧，“藝術你我C”創辦人、星空間合夥人之一

新藏家崛起於行業相對不景氣之時，因此他們似乎並不對收藏的潛在收益抱以過多的關注，而是更多地關注藝術品本身。他們對於作品的態度更加純粹，甚至有時候他們會出於自身的一時喜好，做出許多從投資角度並不那麼符合“理性”的收藏。

▲“藝術的朋友”展覽現場 攝影：董潔旭

相比於老藏家，新藏家對於媒介的選擇更加多元。“這次給我最大的感受是大家的對於收藏上的標籤和界限會放開非常多”，喬丹介紹到，新藏家的收藏偏好並不侷限於傳統或單一媒介，“像有一些資深藏家，他就説我只收藏中國的當代藝術，或者我只收藏某一種媒介，但是我發現在年輕的藏家上，他其實完全沒有。他的接受度很高，可能他也不會比如説我收藏繪畫一定是看繪畫的筆觸，可能就是這個內容主題我喜歡，我會覺得很開放很包容。”

▲加百列·里科，《將事實轉換成另一個也滿足規則的對象》，2021，陶瓷，硬幣和木頭，113 × 96.5 × 31.8 cm，藏家：華子涵，北丘當代美術館館長

作為商科背景出身的藝術工作者、機構負責人，北丘當代美術館館長華子涵在機構運營中迴應着因藝術而啟動的生活經驗。歷史、自然和現實交織，先鋒與傳統反覆試探，當代藝術的在地性、多模態化和不確定性都在北丘當代美術館這裏得以響應。

調查數據可以佐證喬丹的説法，2022年X世代（出生於1960年代中到1970年代末）在繪畫上的平均花費為14.5萬美元，而千禧一代為10.8萬美元。相比之下，千禧一代在雕塑、裝置、攝影、電影和視頻藝術上的花費更高。

▲段建宇，《遺落在人間的珍寶 No.2》，2014，素瓷，雞蛋，玻璃鋼底座，54.5 × 60 × 140 cm。圖片由藝術家及維他命藝術空間惠允提供，藏家：張愷鎔，之已基金會創始人、當下藝術基金會聯合創始人

有觀點認為，藝術市場的相對低迷會讓人們的文化趣味趨向保守，人們會本能地不信任那些資本市場的概念與提法，例如NFT如今的聲量已比它橫空出世時小了許多。藝術收藏也遵循這一邏輯，但新興藏家的“懵懂”卻也振奮人心，他們選擇相信新媒介，也即是選擇相信當代藝術的未來。他們是不明朗的前路上，為人們高舉火把的人。

▲蔣志，《字》，2018，單屏高清錄像，彩色，有聲，15分49秒。圖片由藝術家與MAGICIAN SPACE提供，藏家：郭佳鑫，The Soil Collection 聯合創始人

何謂“朋友”？朋友並不出現在坦途，而是在迷途。“時窮節乃現”，“藝術的朋友”正是如此，他們並不乘着風口而來，他們陪伴當代藝術走過晦暗的階段，並守候着它的復甦。

如今，人們捱過了疫情的三年，藝術市場亦有回暖的跡象，“藝術的朋友”和他們的珍貴藏品們，如約與眾人見面。

▲“藝術的朋友”展覽現場 攝影：董潔旭

部分藏家作品

/ 趙文溪 /

目前工作生活於北京和紐約。她本科畢業於紐約大學，並取得經濟學學士學位。而後於2017年取得佳士得學院藝術史與藝術品管理碩士學位，並曾就職於紐約佳士得印象派及現代藝術部門。趙文溪的收藏聚焦於中西方當代藝術，包含了繪畫、雕塑、裝置、影像等媒介。

▲葉凌瀚 Ye Linghan
《LUCY-S-008》 
2020
布面丙烯
Acrylic on canvas
200 x 150cm
圖片由藝術家及馬刺畫廊惠允
Courtesy of the artist and SPURS Gallery.

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《LUCY》系列的繪畫和影像作品靈感來自於著名的人類祖先 “Lucy”，他試圖以此為主角創造出一個虛擬的數字化原始世界，讓觀者回憶起伊甸園的荒誕幻想。他汲取了馬蒂斯晚期的美學思想，運用了丙烯、拼貼和噴漆等多種媒介進行創作，探索眾生和植物的原始形態。

葉凌瀚 1985 年出生於中國麗水，畢業於中國美術學院壁畫系，現工作和生活在北京。

/ 奚韜 /

專注於唱作音樂人的價值開發與提升，以音樂人品牌塑造法為基礎，為不同階段的音樂人提供個性發展策略、技術支持與商業化路徑。 

2020年及2023年分別策劃推出音樂藝術跨界項目-“萬物之與動物相遇”“萬物2 遙遠的相似性”。邀請音樂家及藝術家就同一主題分別創作，拓寬了藝術領域大眾年輕受眾羣。2022年開辦以藝術展覽、現場演出、餐食和咖啡文化藝術綜合的A26空間。伴隨每兩個月為一期的藝術實踐，為大膽有為的藝術家提供舞台，展覽伴隨配套餐飲和演出，以突破常規的方式與觀眾形成一種新鮮且深入的互動。

▲托馬什·克雷奇茨基 Tomasz Kręcicki 

《鈕釦》

Button

 2023

布面油畫

Oil on canvas

140 x 150 cm

圖片由藝術家及施博爾畫廊惠允

Courtesy of the artist and Esther Schipper.

比例和身體是托馬什·克雷奇茨基繪畫的主題。他對日常事物和物品的描繪極具荒誕主義元素，而這些依賴於簡化且重複的圖形的形式，展現了藝術家對具象中的抽象的持續探索。被放大的怪誕感手指、身體部位或物體，看起來像巨大的彩色形狀，徘徊在可被識別的臨界點上。與此同時，那些着力於描繪日常物品的作品，比如威嚇鳥類用的黑色長電線、圖釘甚至是一個鬆動的按鈕，都會喚起人們的焦慮和不詳預感。克雷奇茨基的創作主題必然是存在主義的，傳遞出了當代政治以及它對個人的影響。

托馬什·克雷奇茨基, 1990年生於扎雷，現於克拉科夫生活和工作。由於對電影着迷，克雷奇茨基採用了電影的取景技巧，通過燈光配置來營造畫作中的意境。從黑暗中浮現的形狀、被冰箱燈、智能手機屏幕或鈉燈照亮的身體或物體。這些和其他程序是藝術家探索和記錄日常生活的工具。有時有趣，有時悲傷，最常見的是兩者同時出現。

/ 丁澤華 /

2022年3月，北京鬆澤藝術中心總裁、收藏家丁澤華正式出任鬆美術館館長，全面負責未來鬆美術館的運營與管理。丁澤華先生對藝術有着極其濃厚的熱情，個人收藏涉獵20世紀以來豐富的中國當代藝術作品，時刻關注中國當代藝術發展的新視角與前瞻性，力圖建立中國民營美術館現當代藝術的展示序列。鬆美術館將以丁澤華先生的個人收藏為基礎，通過深層次的研究，形成具有垂直性思考的展陳，增強鬆美術館的學術性和專業性建設，全方位優化及維護民營美術館的良性生態，積極參與並推動中國當代藝術的發展進程。

▲夏禹 Xia Yu

 《空間感》
Sense of Space
2022
木板坦培拉
Tempera on board
120 x 90 cm
圖片由鬆美術館惠允
Courtesy of Song Art Museum.

一個青年頭戴VR設備，伸出雙手，彷彿在感受另一種空間維度。作品《空間感》試圖描繪今天的人和今天的光是什麼樣子。現在是科技快速發展的時代，VR技術開啟了人在虛擬的真實空間中的感知，在這之前，人們是沒有這樣的體驗的。畫面中的人和現在的我們一樣，剛剛開始這樣的新感受。舉起的手有彷彿有探索，觸碰，丈量新的空間感之意。畫面希望通過這樣的安排，創造一個屬於現當下的有意思的瞬間。

夏禹的坦培拉創作技法與形式的探索並存，那些記憶裏的父母愛情，姐弟情深，親密關係與青年愁滋味，在近年的創作中逐漸蜕變成現在進行時的都市生活圖鑑，豐富而熟悉的生活場景讓人代入感十足。畫中人不斷遊走在居所與公司，城市與自然之間，在家務與工作，發呆與娛樂當中無縫銜接，在一次次生活空間的轉場間歇切換不同的身份與角色。現代人的選擇看似多樣，卻似乎再難擁有古人的避世之所和一片精神的自留地。生活從未變得如此的富足而有限，標準而疲憊。新的時代催促着每個個體將自己訓練為時間管理大師，成為消費主義框架之下“Work hard, Play hard”的生活哲學家。夏禹的繪畫恰恰展現了標準生活的破綻，正視生活中總會出現的無聊瞬間，卻也自有平凡真實的可愛之處。

目前工作於北京,在米蘭理工設計學院完成設計管理碩士學位,旅居在歐洲期間她參訪過很多重要的藝術機構和展覽,其中威尼斯雙年展和卡塞爾文獻展中的很多藝術家都進入了她的收藏，如:Wolfgang Tillmans、Oscar Murillo、Katharina Grosse、Laure Prouvost、Hernan Bas、MariamCahn、Simon Fujiwara等。

▲赫爾南・巴斯 Hernan Bas

《黃昏沼澤生存指南》

How best to suffer swamp life at dusk

2020

亞麻布上丙烯 

Acrylic on linen

274.3 x 213.4 cm

圖片由藝術家及貝浩登惠允

Courtesy of the artist and Perrotin.

《黃昏沼澤生存指南》是赫爾南・巴斯在疫情隔離期間所作。標誌性的男子佇立在畫面中央，與眾不同的是男子手中持着的透明雨傘，傘布延長垂至地面，將他全部籠罩在內， 這似乎成為可以逃離現實世界的盔甲。他眼神迷離地望向遠方的天際，在藝術家打造的奇幻風景中沉思着，滿地的落葉和瑰麗的黃昏暗示隱含在人物內心的不安和焦慮情緒，渲染了畫面的憂鬱和脆弱感。赫爾南・巴斯用華麗的色彩和精細的筆觸塑造了怪誕奇幻的景觀，使得觀眾沉浸在這樣一個介於現實與超現實的奇幻世界的同時也或許會反思自己是否能打破束縛，找到現實生活的出口。

赫爾南・巴斯，1978年⽣於美國邁阿密，現⽣活及⼯作於底特律和邁阿密。他的作品充滿⽂學暗⽰，並帶有虛⽆的浪漫主義⾊彩與舊世界的意象。巴斯把少年的冒險故事、古典詩詞、宗教故事、神話、頹廢⽂學和科學歷史結合。作品主⾓⼏乎都是以年輕、憂鬱的清瘦男⼦為主，和狂亂的背景和複雜的畫⾯形成強烈對⽐，勾勒出⼀種唯美且不安的感受。

/ 朱珠 /

中國女演員、主持人、歌手、藝術收藏家，籍貫浙江臨海，生在北京。

▲王加加 Wang Jiajia

《入眠，做夢，或者永恆》
The ends of a thousand worlds
2021
油畫，噴漆，丙烯，樹脂，布面數碼打印 
Oil, spray paint, acrylic, resin, digital print on canvas
200 x 350 cm
圖片由藝術家及馬刺畫廊惠允

Courtesy of the artist and SPURS Gallery.

對於藝術家來説，創作的過程是在經歷時間; 對於觀眾而言，時間的刻度可以在每一層的互相影響中呈現。王加加作品所攜的物質性是對地質時間下歷史感的一種微觀隱喻。他看似構建了一個平面的網絡，電子遊戲、音樂歌詞到電影、體育運動等大量援引與線索混雜其間，這些線索又在縱深向獲得了立體的維度——一方面，是當代生活“能指”的大爆炸，我們獲取的信息和體驗都被超載;另 一方面，是不同時間內在的崩塌:古老的傳統、即逝的過往、童年的記憶、當下的時刻以及對未來的想象交混在一起。以創作過程與結果的博弈作為形成作品面貌的方法，以及藝術家對現成品圖像的有意選擇，令王加加的藝術在圍繞着當代景觀中無處不在的數碼圖像展開敍事的過程中，形成了流行元素與經典制式矛盾之下不同文化龐雜交融的精神圖譜。

王加加，1985年出生於北京，3歲隨父母移居倫敦，2008年畢業於英國中央聖馬丁藝術與設計學院，獲得學士學位，現生活和工作於北京。

同他的許多同代人一樣，王加加在電視的普及、互聯網的出現、流行文化的滲透中成長起來。自2016年開啟“冒險”系列以來，藝術家綜合數碼簡圖拼貼、行動繪畫筆觸與絲網印刷技術，已經收穫了許多關注。王加加的繪畫看似佈滿抽象的筆觸和厚重的顏料，但其每一筆在下筆之前都不乏思考。與西方繪畫從素描和顏色入門不同，他的繪畫訓練始於勾線和臨摹。用一種新且當代的方式表達較為傳統的概念，是藝術家創作的核心線索之一。

/ 姚謙 /

作為歷任台灣EMI、Virgin、Sony唱片公司總經理，姚謙出版過《我們都是有歌的人》、《如果這可以是首歌》、《一個人的收藏》等書籍；並擔任《Ah-Art》紀錄片監製和「細看常玉」策展人。他於2020年參與制作騰訊《啊！藝術》紀錄片，鏡好聽《一個人的收藏》首支Podcast 於2021年上線；鏡好聽《一個人的收藏》第二季 Podcast 於2022年上線。

▲董大為 Dong Dawei 
《風景畫像 - 吉蘭達約 03》
Landscape Portrait-Ghirlandaio 03 
2022
水彩，高強石膏，木門 
Watercolor, high strength plaster, wood door 
200 x 68 cm
圖片由藏家惠允

Courtesy of the collector.

《風景畫像》通過石膏翻模復現了窗户的立體透視結構，同時使用水性顏料畫在石膏表面以呼應文藝復興早期的濕壁畫技術。風景，自然界的風光景色。在中國，很早就成為愉悦視覺和心靈的對象。但是在西方，風景作為獨立的審美對象卻是非常晚近的事情。

文藝復興早期，風景只作為繪畫的背景存在，大多時候被描繪的比較籠統。隨着文藝復興時期透視技術的不斷完善發展，畫家們漸漸有能力繪製自然界的複雜視圖，對風景的描繪也越來越細緻充分。但是直到18世紀之後，風景才慢慢獨立成為一個繪畫門類和不受歧視的繪畫主題，仰仗於浪漫主義思想的盛行，人們開始由衷的讚美一片自然景觀：“風景如畫”。

除了出現在背景中，風景有時也會出現在文藝復興時期繪畫建築的窗户中，被窗户的四條邊框完整的隔離成一幅“畫”。董大為以此作為西方風景畫可追溯的源頭，將窗户作為取景器，回溯風景畫在西方繪畫中的發源和歷史，以及透視在西方繪畫中的焦點地位。

董大為，1981年出生於遼寧大連。2004年畢業於魯迅美術學院油畫系，獲學士學位。2011年畢業於法國布爾日國立高等藝術學院，獲碩士學位。

“逆向思維”貫穿着董大為的整個創作經歷。在紙本馬克筆系列的創作過程中，董大為致力於以技術去技術化，以專業反專業化。當人類的主觀意識被逐漸淡化，物質本身的原有價值就在被凸顯。通過以形似數學精密的計算過程，繪製出在紙本上自由滲透的一個又一個大小相同卻又相互堆積、進而組成新形狀的圖形，這便是董大為在去除掉了一個藝術家在創作時應該尊重美術史、美術技法等“原則性”後的產物。同時，董大為對於客觀事物的尊重也表現在他描繪於石膏板上的風景中，掉落的色粉粉末中，懸掛在牆上的電磁爐中。

/ 禹丹 /

於2023年初在香港成立了一亖藝術基金會。禹丹對於中國西南地區、中國及國際當代藝術發展之長期關注，一亖藝術基金會依託禹丹女士之構建數年的個人收藏、策展實踐和社會網絡為基礎，於禹丹所居住的四川成都、中國香港和英國倫敦作為連接點，以在地性、當代性、國際性作為願景，積極為當代藝術實踐的多元生長營造理想場域。

▲鄭國谷 Zheng Guogu

《西面幻化5》
Visionary Transformation of the West 5
2022
布面油畫 
Oil on canvas
36 x 97 cm
圖片由藝術家惠允

Courtesy of the artist.

《西面幻化》系列展開自藝術家運用自己的經胳和身體感知西方繪畫的過程，通過將這種探測和遭遇的經驗轉換成當代繪畫，藝術家探討藝術所帶來的跨越東西方界限的能量流動，從而超越圖像表象的差異。

對鄭國谷來説，歷史上的藝術作品不是作為表達的終點，而應該成為感知的起點，藝術家不是基於藝術史的知識和分析，而是通過引入類似“望聞問切”的感官探測方式來直接測試作品所攜帶的能量。在他看來，西方繪畫歷史中的的神學主題，和唐卡繪畫所關注的主題遙相呼應，都呈現出虛實之間無限轉換（幻化）的特性。

在《西面幻化》中，藝術家將不同繪畫的正像與正像、正像和負像進行重疊，從而在正反之間，形象不斷產生變幻，如鏡像般無限延伸，揭示其顯像背後隱蔽的空間。

鄭國谷1970年出生於廣東陽江，1992年畢業於廣州美術學院版畫系。目前生活和工作於陽江。鄭國谷的創作涵括多種媒介，橫跨行為、攝影、繪畫、雕塑、書法、空間和建築，探尋藝術與日常生活邊界的融解，而其根本的驅動力來自於和日常生活進程密切相關的意念。

高級藝術顧問，藝術收藏家，上海賽森藝術空間創始人，致力於中國當代藝術的收藏與推廣，長期支持中國一線及新鋭藝術家的創作及拓展。蘇敏羅把自己定位為“以藏養藏”的一類藝術收藏者，認為每一位收藏者都會有較為個性化的收藏偏好，而蘇敏羅則特別喜歡能夠凸顯個人筆觸語言的藝術作品。蘇敏羅長期推動年輕藝術家與畫廊及其他商業項目的合作，是將當代藝術作品推廣到商業空間的先行者。

▲閆冰 Yan Bing

《白梨花》
White Pear Blossoms
2021
布面油畫
Oil on canvas
150 × 130 cm
圖片由藝術家及香格納畫廊惠允

Courtesy of the artist and ShanghART Gallery.

閆冰對於鄉村和城市的生活報以同情，並不認同需要為任何一個而放棄另一個。閆冰的作品《白梨花》中，能看到他在與故土重新磨合的過程中，所完成的、階段性的自我蜕變與昇華。與之前作品中所表現出的、略帶陰鬱和妖嬈氣質的超現實主義氛圍不同，一株植根在泥土中的真實梨樹，替代了之前懸浮在背景前的無根狀態；而綻放在枝頭上的朵朵明亮白花，也讓整個畫面被一種樂觀且豁達的情緒所充盈。《白梨花》的這件作品，閆冰介紹到西北人家往往會在門口栽種白梨花，而雪白初綻的梨花所觀照的，不僅僅是西北的過去，也是當下的社會。

閆冰，1980年生於甘肅天水，2007年畢業於中央美術學院油畫系第三工作室，現工作生活於北京。在閆冰不同媒介的創作中，他通常直接使用平凡甚至是原始的日常物品為素材，並以繪畫的方式刺探這些平凡之物的精神維度。在他所描繪的這些日常之物的表象下，隱藏的是藝術家對於生命認知的温度。閆冰的作品中透露出來的情感是複雜的，在簡單樸素裏滲透着感悟與思辨，疼痛和欣喜。在這些散發着“古意”的作品裏，隱藏着閆冰對其個體經驗與當下生存世界關係的深刻思考。

UCCA尤倫斯藝術基金會理事，獨立音樂經紀人，近年來持續支持獨立音樂人培養和音樂產業的發展。收藏藝術品大概有16年左右，近年來將更多的關注力放在中國當代年輕藝術家身上。

精湛呈現的畫工和不俗的視覺表現力，作品展示出的時代背景和內容讓人有共鳴的，往往是她最感興趣的。

▲蒲英瑋 Pu Yingwei
《某年某月某日（今昔何年）》
Some Day, Some Month, Some Year （What a Year）
2022
布面油畫，亞克力，紙本拼貼，透明水色，蠟筆，色粉，金箔，郵票，噴漆，油漆筆，馬克筆
Oil and acrylic on canvas,  paper collage, transparent watercolor, crayon, pastel, gold leaf, stamps, spray paint, paint pen, marker
200 x 300 cm
圖片由藝術家及蜂巢當代藝術中心惠允
Courtesy of the artist and Hive Center for Contemporary Art.

《某年某月某日（今昔何年）》靈感來自於藝術家早年拍攝的一張膠片攝影，記錄了其用雙手打開自己日記本的一個細微平常的瞬間。而在此幅畫作中，藝術家將這一微觀視角放大至三米，而日記本上所記錄的則是著名的詩篇《沁園春·雪》的節選：北國風光，千里冰封，萬里雪飄。望長城內外，惟餘莽莽；大河上下，頓失滔滔。山舞銀蛇，原馳蠟象，欲與天公試比高……這也是一首革命浪漫主義情懷詩歌的典範，而在“曠世情歌”的概念中，藝術家也將情感視為一種方法，一種鏈接，它連接着個人與世界，我們與你們。

蒲英瑋，1989年出生，現工作、生活於中國北京。2013年畢業於四川美術學院，獲學士學位；2018年畢業於里昂國立高等美術學院，獲碩士學位並獲得評委會最高嘉獎。蒲英瑋的工作被定義為一種具有強烈烏托邦熱情的觀念藝術實踐。藝術家將其在公共領域中所踐行的多重媒介與身份敍事理解為一次全面的動員。以個人史作為一個絕對的出發點，通過展覽、寫作、設計、講演、教學等不同形式的工作，藝術家試圖生產一種跨越了種族、國家、倫理等宏大命題的“元政治”。這種政治與我們所經歷的現實同樣複雜並充滿悖論。

/ 潘陽 /

作為一位90後藏家，pan space創始人，於18年開始進入收藏領域，佛系收藏。

▲張季 Zhang Ji
《合影》
Group Photo
 2021
布面丙烯，油畫
Oil and acrylic on canvas
180 x 150 cm
圖片由藝術家及蜂巢當代藝術中心惠允

Courtesy of the artist and Hive Center for Contemporary Art.

在作品《合影》中，藝術家更多地使用曲線、斜線與垂直線的畫面走向而不用橫向，筆觸、痕跡與線條割裂的畫面使得其筆下的身體乃至整個繪畫世界顯得極其不穩定。此外，由於藝術家對於“身體”有着超驗的理解，他極具個人性的描述很難被包括筆者在內的其他任何人傳達，但是可以簡單而籠統地概括為身體是一種具有社會性的公共媒介，其構造本身的社交屬性被現代文明包裹後變得不顯著，而繪畫具有神奇的力量可以打開這一切，讓一些與身體有關的卻不可言説的隱祕可以公之於眾。

張季 1993年生於北京，先後於芝加哥藝術學院和馬里蘭藝術學院完成本科及研究生課程。張季的繪畫是由不穩定的構圖、形狀奇特的光區和線條，所形成的對人類“身體”的分離和擠壓。

Li 主要在上海和香港，收藏之旅開始於 2013 年，從中國古代書畫和中國當代藝術開始，近年來開始進入西方當代藝術領域的收藏。Li 的收藏一方面關注在中國和西方當代藝術史上具有重要地位的藝術家，另一方面持續贊助中生代的年輕藝術家。收藏的核心是希望能打破身份，性別，地域的侷限，尋找真正能經得住時間的長河，歷史的沉澱的藝術家。

▲丁乙 Ding Yi

 《十示 2021-19》
Appearance of Crosses 2021-19
 2021 
椴木板上丙烯木刻
Acrylic and woodcuts on basswood 
240 x 240 x 7 cm
圖片由藝術家及香格納畫廊惠允
Courtesy of the artist and ShanghART Gallery.

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“我之所以選擇“十示”，恰恰是因為它是一種符號，可以有各種各樣的含義。……我希望人們可以聚焦在繪畫的色彩上、線條上和畫面的結構上，而不是畫面所隱含的意義。只有當人們忽略了所謂的意義，他們才能更加開放地接受藝術帶來的新感覺。”——丁乙

“十示”的本意，就是對世界的持續命名。它與人類的其他知識一樣，希望和世界之間有着某種假設和某種解釋。“十示”就是對世界最鮮活的映照。它追求那些不可知與流動，在看似僵化、概念化和符號化的圖像中，所有的傳統知識與現代時尚都與它無關。“十示”既可囊括那種現當代藝術帶來求新求變的一面，也可以將這些新與變引向古老而恆定的精神事物，關乎存在的“深度體驗”。正是在這種精神的燭照下，讓我們即使與他人目睹了同樣的事物，其心靈的體驗也會不同。而且，這種不同正是得以保全並展示自我的唯一途徑。丁乙就是竭盡一生的努力去尋找這種不同，並讓別人相信總有“不同”的存在。它是心靈的自由，也是最根本的自由。

丁乙1962 年生於上海，現工作、生活於上海。其創作領域包括繪畫、雕塑、空間裝置和建築。從 80 年代後期開始，他將視覺符號“十”字以及變體的“X”作為結構和理性的代表，以及反映事物本質的圖像表現的代名詞。

/ 曹吉祥 /

萃舍雲集管理合夥人。它是一家面向當代藝術,以收藏、展覽、研究為主要功能的非盈利收藏機構;其收藏注重不同媒介領域的藝術家在藝術本體層面的碰撞和思考,注重呈現年輕藝術家多樣性的創作面貌和成長,注重東西方各種觀念在歷史整體背景及變化中的對話關係。

▲西蒙·斯塔林 Simon Starling
大裂谷穿越項目 Project for a Rift Valley Crossing
2015-16
硒調銀明膠印刷品 
Silver gelatin type LE/Selenium toned prints
 98.5×121.7cm/103×126cm
圖片由藝術家及萃舍雲集惠允
Courtesy of the artist and The Cloud Collection

這組照片是西蒙·斯塔林的 "大裂谷穿越項目"(2015-16)的一部分,這個多媒介的作品以使用從海水中提取的鎂來建造一艘船為核心,並使用這艘船穿越它所產生的大海。這個項目是斯塔林為他2016年在諾丁漢當代的個展而開發的,並從他對工程師弗蘭克·柯克的興趣中演變而來,柯克在20世紀80年代用類似的方法建造了輕質的鎂質自行車框架。鎂取自死海——世界上氯化鎂濃度最高的水體。

死海不僅是一個豐富的金屬來源,而且是中東政治中的一個重要地點,位於約旦、以色列和西海岸之間。這樣一個地方給項目帶來了談判和外交的需要,因為斯塔林同約旦和以色列當局合作製作藝術品,形成了在兩個國家之間的麻煩水域航行的隱喻層。這張照片描繪了用從1900升海水中提取的鎂製作的獨木舟,停在建造它的海面上。

材料從一種狀態到另一種狀態的轉換重生,以及現實和隱喻的循環旅程,構成了西蒙·斯塔林作品的很大一部分,他將其描述為 "一個思想過程的物理表現"。

西蒙-斯塔林於1967年出生於英國的埃普森。他畢業於格拉斯哥藝術學院,並於2003年至2013年在法蘭克福的Städelschule擔任美術教授。

斯塔林在2005年贏得了特納獎,並在2004年入圍了Hugo Boss獎。斯塔林目前住在哥本哈根。

/ 謝旖心 /

謝旖心女士常駐上海與北美，先後於美國及英國院校取得藝術史本科學士及碩士研究生學位，擁有藝術管理方面的從業經驗，後任職於文化投資機構，探索藝術文化與其他領域有機結合的可能性。

▲王雪冰 Kiki Xuebing Wang
《蝴蝶罩衣 右》
Whalebone Right
2023
棉布面油畫 
Oil on calico
160 x 130 cm
圖片由藝術家及LINSEED惠允

Courtesy of the artist and LINSEED.

蝴蝶作為一種常⻅的裝飾素材鮮少被賦予任何意義或象徵,這在另一方面吸引觀者反覆審視觀看,試圖在神祕的天然紋樣中尋找規律或主題。在《蝴蝶罩衣 右》中,王雪冰通過筆觸暈染和留白作為構圖手段,將蝴蝶的形象層疊切割成為某種景觀。其中穿插於圖形的輪廓線條促使觀者去辨別所繪之物,而畫面主體卻因個人經驗與認知不斷演變,正如觸發形變時刻的某個截幀,你無法準確説出它真實的面貌。

王雪冰1993 年出生於中國河南。她於 2016 年獲得加州大學洛杉磯分校藝術學士學位，並於 2020 年畢業於倫敦皇家藝術學院，獲得碩士學位。她現在倫敦生活和工作。王雪冰的畫作通過奢侈時裝和其他慾望之物的鏡頭，探索現代消費主義的扭曲視角。從聚光燈和高高的基座上取下，從巨大的廣告牌和商業宣傳中剝離，所描繪的流行服飾在規模、位置和價值的悖論中被困住、邊緣化、移位和遮蔽，審視着將非價值轉化為價值的可能性，以及辨別虛構與現實的可能性。

/ 聞宇 /

澳大利亞LalLal美術館創辦人。

聞宇自2013年開始接觸和收藏當代藝術，迄今為止收藏了百餘位等國內外現當代藝術家的多件作品。聞宇還通過澳洲LalLal美術館支持藝術家開展藝術家駐留項目，在2017年至2019年期間，已有十餘位中國當代藝術家完成了其藝術駐留項目。新的駐留項目亦在開展中。聞宇執掌的天宇羊毛工業總部位於江蘇省張家港保税區，是全球最大的羊毛加工企業，佈局澳大利亞、新西蘭、南非、烏拉圭、阿根廷、意大利，為全球諸多奢侈品服裝提供服務。

▲韋嘉 Wei Jia
無題 Untitled 
 2021
布面丙烯 Acrylic on canvas
230×200cm
圖片由藝術家和來拍惠允
Courtesy of the artist and Cuppar Auction

⻙嘉, 1975年出生於四川成都,1999年畢業於北京中央美術學院版畫系。目前任教於四川美院版畫系並生活於重慶。在中央美院求學期間即在版畫領域獲得許多重要獎項。2003-2004年轉以壓克力顏料創作為主,以類似版畫的構圖結構組成畫面。作為中國當代“70後”畫家的代表,⻙嘉早期創作將少年敏感又不羈的情懷,以敍事的語言鋪陳開來。2010年後,⻙嘉逐漸將視野拓及獨特或普世的人性,以及人與社會羣體間的狀態。⻙嘉的作品描繪了生命本質的面貌,動態的筆觸介於具象及抽象之間,既定的輪廓消減,進一步的反應當代人在其所屬的現實環境中,既永恆也變幻萬千的種種生命狀態。

/ 劉峯 /

佑港資本創始人

專注二級市場投資和併購

藝術和巖茶愛好者 喜歡寫作

個人公眾號“加斯頓的憤怒”

▲王音 Wang Yin
加油站 No.2 Gas Station No.2 
2011
布面油畫 Oil on canvas
130×162cm
圖片由藝術家及開拍惠允
 Courtesy of the artist and Cuppar Auction

王音,1964年生於濟南,成⻓於⻘島。1988年畢業於中央戲劇學院舞台美術系。現在北京工作和生活。

王音把個人的情感經驗、思想脈絡貫穿於自己對近現代繪畫史的認識中,把外緣的影響內化為純粹個人化的生命經驗。王音筆下這些色調內斂、沉靜的事物往往傳達了處於遮蔽下的當代生活之內在精神,畫中的題材往往是無名者,無名物,無名處,而越是以無名的狀態出現,似乎越趨近我們和世界遭遇的原初狀態。

/ 車宣橋 /

美凱龍藝術中心發起人車宣橋是一名藝術贊助人，她也是紅星美凱龍集團副總裁和設計家居品牌 THE SHOUTER 的創始人。

▲VS204, 205, 216
無題Untitled
Undated
Mixed media on canvas 混合材料
238.8 x 177.8 cm
Courtesy of the artist and Gladstone Gallery, Photography by David Regen
圖片由藝術家及格拉斯頓畫廊惠允,
攝影師：大衞里根

蘇特的作品靈感來自抽象表現主義、色彩理論，還有最重要的，她周遭的自然環境。在過去三十餘年裏，蘇特以危地馬拉為駐地，她頻繁地利用身邊環境中，在作品中姿態化地引入太陽、雨、風和樹，也有策略地在未經處理的畫布表面上融入了侵蝕的泥土、動物的生命、雨水和植物的遺存。蘇特打破了材料的高低等級，將她工作室中的內容與生物世界放在平起平坐的位置上。

維維恩·蘇特1949年出生於阿根廷布宜諾斯艾利斯,現居住在危地⻢拉的帕納哈切爾,並在那裏工作。她於1972年畢業於瑞士巴塞爾的Kunstgewerbeschule。

/ 王英菡 /

王英菡，持有香港大學國際及公共事務關係碩士學位，Tatler Gen.T藝術領域上榜者，M+視覺文化博物館創始贊助人。

▲張如怡 Zhang Ruyi 

《幹梏島嶼》
The Dry-As-Dust Island
2022
混凝土, 鋼筋, 鋼絲繩
Concrete, rebar, steel wire
40 × 21 × 15 cm
圖片由藝術家及東畫廊惠允
Courtesy of the artist and Don Gallery.

張如怡的作品以非人類中心論式的立場去考察，所要探討的是被掩蓋、排斥掉的暗面，通過具體情境的營造與設置，讓平時被人忽視的、不可見存於工業現代性中的“暗色之物”重新浮現出來。張如怡通過對工業標準的瓷磚、建設材料的混凝土、沉默的植物造型等材料的介入與轉換、收集與調度，將自己作為與這些實體一樣的存在，去感受、體會、把握這些實體特有的語言和作用力，再以自己的方式，與這些實體進行對話，形成某種根本的相互依賴性。近期，張如怡創作了多層次的混合媒體繪畫和裝置藝術，她直接在牆上、畫板上或畫框內進行創作，以重新編碼現代格子與古典格子之間的固有矛盾。通過在雕塑和裝置作品中引入現成品，她進一步重置了格子的自動性，將其視為承載城市空間配置背後具體意願的媒介。藝術家使這些分散在空間中的凝聚之物成為了身份與情感的象徵，空間內外交錯並互相參照，具象地提示了當前社會中個人存在的兩難境地。

張如怡生於1985年，現工作並生活於上海。張如怡的創作主要涉及雕塑、綜合材料繪畫及據地裝置。其觀念實踐始終圍繞日常邏輯展開，作品因調和人工製品、工業經驗以及城市生活而佔據特殊空間。

張如怡的藝術創作存在於生活的邏輯中。圍繞自我意識、物理空間、日常體察之間的隱祕關係而展開。從現實生活中提取時間切片和物質信息，捕捉、摺疊、壓縮、捏造出個體於日常現實之間相互指引與限制中情感瞬間的“物化”過程。她將人與現實，自然與工業景觀之間主動或被動的作用力處理為“話語裝置”，以秩序美學的關係語言來重建一個被“閲讀”、“質疑”、“記憶”的空間。她以物反問物、以空間質詢空間，由此對抗平靜。

/ 楊佳霖 /

楊佳霖（Aria Yang），常駐北京與香港，擁有藝術管理方面的國際學歷與本土機構經驗。2022年與與郭佳鑫（Vince Guo）共同創立the soil collection，期待通過遊牧式策展與針對年輕藝術家的委任創作建立一個流動的、可被討論的收藏計劃。

▲張移北 Zhang Yibei
鎖在山崗裏的銀白色的花 
Silvery flower locked in the hummock
2022
青銅 Bronze 
158 x 23 x 10cm
圖片由藝術家及馬刺畫廊惠允
Courtesy of the artist and Spurs Gallery.

藝術家張移北作品以探討材料（物質）為主，她對人與材料關係的關注也體現在創作時會刻意選取一些有關城市建設的元素，比如説化糞池、電力、水利，還有供熱系統的部件，對她而言，正是這些基礎設施連接了人與人、人與城市的日常生活。

張移北,1992年生於大慶。現工作生活於北京。碩士畢業於英國皇家藝術學院雕塑系,本科畢業於英國倫敦藝術大學雕塑系。

張移北從一個假定的命題出發,在介於藝術家、材料與觀念三者關係的重新思考。在這種構思/反思過程中,藝術家和她的材料形成了實在世界,實在世界構成了觀念世界,思維和材料共同構成了藝術家的意象,這種意象就像雞與蛋的關係,通向了藝術家與材料之間的合作關係。

/ 張暢 /

藏家、當下藝術基金會聯合創始人。

當下藝術空間是一家坐落於國家對外貿易基地（北京）博樂德藝術中心的非營利機構，其創辦初衷是以支持中國年輕藝術家在本與國際上的文化交流、豐富圍繞中國城鄉建設的藝術及學術研究成果展示為目的，並最終以基金會的形式呈現。

▲何翔宇 He Xiangyu
小男孩 Asian Boy
2019-2020
不鏽鋼 Stainless Steel
140×40×45 cm/ 4×55×45 cm
圖片由藝術家及空白空間惠允
Courtesy of the artist and White Cube

《小男孩》可被視為對“可樂計劃”（2009-2011）的一次重新點題。相隔十年，分別從兩個關鍵的終端介入“生產-消費”循環的母題，提出對於藝術生產的原始材料和經濟層面的探詢。與“可樂計劃”對於“可樂”的物質呈現截然不同，在這一雕塑作品中，“可樂”作為物質乃至作為視覺符號都是全然缺席的，只有男孩的目光與手勢的交會作出一個模糊的暗示。這是一個面部表情略顯困惑緊張，半身赤裸的男孩，他的一切特徵都被極度簡化和模糊化至“亞洲男孩”這一極其抽象的層面，他可以僅僅是藝術家自身的代表，也可以是“東方”這一巨大羣體的化約。男孩用纖細麻痺的手指緊緊握住缺失的能指，作開啟狀，並在生命中第一次品嚐現代靈藥。這一私密的、羞澀的、與物質主義慾望有關的雕塑形象也是顛覆性的，因為它令人聯想起有關第三世界或全球南部無辜生命的標誌性圖像，以及那危險的雙手所能觸發與引爆的湮滅。雕塑的細緻紋理也反映了這一點：為呈現其獨特的身體形態，每一版本的作品都必須在一個特定的窯爐中以超過1000攝氏度的温度均勻燒製6小時。

何翔宇(1986年,中國)是一位生活、工作於柏林的藝術家和電影導演。作為經歷中國社會、經濟和國際關係鉅變的藝術家羣體的一員,何翔宇的創作從其自身的獨特文化經驗出發。他遊刃於繪畫、雕塑、裝置、影像及出版等媒介,並以寬廣的時間跨度和創作規模,來省思與呼應地緣政治和歷史格局的宏觀動盪在特定個體身上宿命般的微觀衝突。在其作品中,錯位轉換的物質材料、私密感知的身心體驗與冷靜抽離的歷史視⻆在撕裂中共存,其動態平衡折射出屬於歷史斷層一代的羣體認知困境及為了突破困境的鬥爭。通過非線性的結構,何翔宇解析與批判了上述鬥爭中的文化碰撞、吞噬和消化。

藝術家名單

David Altmejd 大衞·阿爾特米德

Hernan Bas 赫爾南・巴斯

André Butzer 安德烈·布特茲

Chen Yujun 陳彧君

Chen Xiaoyi 陳蕭伊

Enzo Cucchi 恩佐·古奇

Henry Curchod 享利·柯橋德

Ding Yi 丁乙

Ding Shiwei 丁世偉

Dong Dawei 董大為

Duan Jianyu 段建宇

Simon Fujiwara 藤原西芒

Noémie Goudal 諾米·古達爾

Mona Hatoum 莫娜·哈透姆

He Xiangyu 何翔宇

Candida Höfer 坎迪達·霍費爾

Jia Aili 賈藹力

Jiang Zhi 蔣志

Jiū Society 啾小組

Izumi Kato 加藤泉

Tomasz Kręcicki 托馬什·克雷奇茨基

Li Binyuan 厲檳源

Marilyn Minter 瑪麗蓮·敏特

Yuko Mohri 毛利悠子

Oscar Murillo 奧斯卡·穆裏略

Ouyang Chun 歐陽春

Philippe Parreno 菲利普·帕雷諾

Pu Yingwei 蒲英瑋

Qiu Xiaofei 仇曉飛

Daniel Richter 丹尼爾·里克特

Gabriel Rico 加百列·里科

Pipilotti Rist 皮皮洛蒂·里斯特

Simon Starling 西蒙·斯塔林

Sun Yitian 孫一鈿

Vivian Suter 維維恩·蘇特

Wolfgang Tillmans 沃爾夫岡·提爾曼斯

Wang Yin 王音

Wang Guangle王光樂

Kiki Xuebing Wang 王雪冰

Wang Jiajia 王加加

Wei Jia 韋嘉

Issy Wood 伊西·伍德

Xia Yu夏禹

Xiao Jiang 肖江

Hiroka Yamashita 山下紘加

Yan Bing 閆冰

Yang Fudong 楊福東

Ye Linghan 葉凌瀚

Anicka Yi 安妮卡·伊

Zhang Enli 張恩利

Zhang Ji 張季

Zhang Zipiao 張子飄

Zhang Ruyi 張如怡

Zhang Zhaoying 張釗瀛

Zhang Yibei 張移北

Zheng Guogu 鄭國谷

“藝術的朋友”：2023年7月8日至1月28日

（鳳凰藝術 上海報道 撰文/範力文 編輯/範力文 攝影/董潔旭 責編/dbk 索菲）